据泡泡玛特2020年报显示，泡泡玛特2020年全年营收人民币25.13亿元，同比增长49.3%，8月上市的MOLLY的一天系列，截至2020年底单销售额破人民币1亿元，在中国大陆的线下门店已有187家。时间退回2016年，泡泡玛特正赶上3D打印技术的成熟，借着潮流艺术的一阵风进入商业市场，紧接着各类潮流玩具如雨后春笋般出现在人们的视野中。2016年8月，泡泡玛特推出了首个“Molly Zodiac”系列盲盒并成功商业化变现，自此“Molly”成为泡泡玛特代表性IP。
彼时，艺术圈也敏锐地嗅到了这股风潮，将数字化技术带到了艺术品的衍生品开发中，从3D打印到3D建模，技术进步让数据化雕塑得以实现，并不断推动着艺术品IP的打造和开发。面对新技术下的机遇，艺术家的优势在哪里？雕塑艺术数据化如何影响艺术家的创作?艺术机构如何打造新的运营模式?艺术IP的打造又会有哪些机遇和挑战?
2016年起，3D打印技术逐渐成熟，随之而来的是数据化雕塑的发展，通过3D建模呈现为立体的数据化模型，再用3D打印技术将其变为实体雕塑。在这过程中，数字化的应用大大扩宽了雕塑艺术的可能性，这些数字信息不仅是平面到实体转化过程中的媒介，还可能应用于区块链，甚至作为艺术市场交易的一部分。
可以肯定的是——不论是在虚拟空间还是在现实中可感可触的实体，5年时间，数字化技术为艺术衍生品开发、艺术IP打造、艺术与商业的结合等方面带来了超乎想象的变化。
“近10年市场都没有什么机会，机会是前天晚上才冒出来的。”Hi艺术中心负责人伍劲说。
“2016年我们做上海Hi艺术中心的时候，3D技术已经越来越成熟了，现在这些数据化雕塑作品完全是基于3D技术成熟之后的延展。”据伍劲向雅昌艺术网透露，新近重新搬回798艺术区的hiart space 798空间，具备多年前HI小店的“潮流”基因，又在打造艺术IP的环境下，探索新的商业模式和机会。
如今，雕塑数据化还有更多实现的方式，艺术家颜石林用手在虚拟空间制作出3D数字模型。“如果你认为它是用泥巴做出来的，那就什么也不是了。”伍劲说，“其实压根不用做出来，只要带上VR眼镜看就好了。”
在经过了数字化输出以及3D打印技术之后，最终完成了具体作品的实体化。即从视觉模式到作品形态，颜石林跨越了具象雕塑的传统框架，并抛弃掉既定的构图，进而确立了一整套全新的艺术语言。
潮流艺术为数字化雕塑埋下了种子，数字化技术的应用让雕塑艺术打破了专业的界限。2016年潮流艺术更是将艺术IP与数字化技术结合，迅速推向市场。当我们走进商场，看到各种各样新兴的潮玩店铺，也就明白了早在数字技术成熟时，潮流艺术就为数字化雕塑埋下了种子。相比潮流艺术，艺术作品变成数字化雕塑的过程有所不同。
Hi艺术hiart space 798空间陈列的雕塑
“艺术雕塑是从传统艺术延展过来的，但是我们的艺术家在潮流艺术圈都是响当当的。”伍劲说，“艺术家跟一般的设计师其实还不太一样，艺术家更讲究，他们的作品带着特别明确的艺术家的造型感。”相比潮流艺术着重于对图像、符号的创造和复制，艺术雕塑在创作初期就投入了艺术家的个人色彩。作品的精细程度及风格特色更加突出，因此艺术家能制作出更有艺术价值，体量更大、制作难度更高的艺术雕塑。
在作品的选择上，艺术家郝朗认为：具象作品更加适合用于做数字雕塑，王亚龙认为有个人特色的，更独特的、有互动性的，立体化后更能引起大家共鸣的作品更适合数字化建模。建模后的数据本身也有价值，通过不同技术转化，它们能用于开发衍生品、作品的动态类展示、大型体验空间的展陈、实用产品类的开发等领域。
从平面图像到数字模型，不仅仅是软件技术的要求，还要设计师对图像处理有熟练的掌控能力。“平面的作品不用考虑结构的合理性，画作里面的形象可能只是一个正面的局部，而数字化就需要考虑整体的准确样式，比如形象侧面、背面，手部脚部细节等在画作中不需要画出来的部位进行准确的定义。”艺术家王亚龙说。
在雕塑数据化的过程中，软件就像制作泥塑时用到的模具，不同的运算法则就像是不同型号功能的雕刻刀，在虚拟的由网格编织成的数据信息里，这些富有创意，表现形式新颖的3D模型完成了材质、肌理、渲染等各环节的塑造，只不过这一切信息都是数字的集合。
郝朗 我不能失去你 2015 布面丙烯 250×120cm
郝朗 我不能失去你 2020 不锈钢雕塑 240×80×80cm
郝朗 雕塑《我不能失去你》在hiart space 798空间的实物图
艺术家郝朗是国内较早尝试3D建模的艺术家，“我的作品风格是偏扁平的卡通风格，比较适合从2D转换成3D，我在大学期间就尝试过把作品做成立体的雕塑。但十几年前技术没有现在成熟，无法实现。” 从泥巴到虚拟的变化，也就5年时间。有了生产的需求，雕塑工厂很快成熟起来，技术工人也迅速上手。“第一件数据化雕塑制作出来后，连工厂的人也忍不住惊叹，甚至打算把制作过程整理成文献资料。”伍劲说。
郝朗 摸着心脏说 2016 布面丙烯 200×200cm
郝朗 摸着心脏说 2019 PU手工着色21×12×14cm
郝朗 摸着心脏说 2019 铸铜喷漆手绘 60×40×35cm
有了3D技术的根基，由艺术品衍生而来的生产线也随之扩大。最早的3D打印技术应用于开发衍生品的产品线，原本做一个小尺寸的衍生品，需要按照传统雕塑的方法重新制作，而通过3D扫描得到雕塑的数字化信息，并将其转化为虚拟三维数字雕塑模型，轻易就能将艺术品的整体尺寸放大或缩小，再用3D打印技术打印出来，虚拟的数字雕塑就转化成实体的雕塑。这样一来，数字化技术为雕塑的制作过程节省了大量人力和物力成本。
传统的雕塑创作中，往往有多种不确定因素影响作品的呈现。如创作雕塑时的每一道工序都有必要的承接性，从雕塑小稿到翻制模具，再到对雕塑的分块化处理，每一步骤都是对上一步骤的承接，在这过程中或多或少会对雕塑的肌理、细节、造型等产生一定偏差。如果是尺寸更大的雕塑，往往需要多人参与或雕塑工厂的配合来完成，更加容易在制作中造成“信息”的更改或丢失，同时雕塑的安装与跨地区运输也是影响成本和效率的因素。
不同的技术手段造就不同的思维理念，数字化技术带给艺术家更多实现想法的可能性。但是在当时的生产链条里，还缺少重要的一环——3D建模，即把一件平面的艺术作品，在虚拟的数字化空间中变成一个立体的“雕塑”。
高瑀 打虎 2007 布面丙烯 300×450cm
高瑀 打虎 2020 铸铜喷漆手绘 120×130×90cm
高瑀《打虎》在hiart space 798空间的实物图
更重要的是，不论是平面图象，还是3D模型，艺术家在整个流程中始终用的是自己的完整IP。这样一来，艺术IP与商业运营公司的生产结合，就能大大节省成本。“对商业运营公司的好处就是，他们拥有了一个完整的IP，不用去跟国外机构沟通，在日本，由于作者可能很老了或者已经过世，机构要用严格的流程来管理，设置层层条款来保护作者的权益。”伍劲介绍道，“国外的IP不太适应中国的商业节奏，而且成本很高，等于背后要养活一大摊官僚体系。”各生产环节成型后，接下来的问题是如何创造自身的潮流艺术IP。
细看潮流艺术的发展过程，国外的潮流IP发展更早一步。目前流行的潮流IP大多数由国外艺术家创造，不得不承认的是，国内目前还缺乏潮流艺术的“基因”。
潮流艺术的核心是潮流文化，与之息息相关的是起源于国外的嘻哈、街舞、滑板等街头文化。在中国，艺术家作品中有创造力且具有本土特色的形象弥补了艺术IP缺失的现状，高瑀十多年前创作的《打虎》来源于传统题材“武松打虎”，因其广泛的熟知度和大众接受度，能快速拉进与观众的距离。伍劲介绍，本身高瑀是数字艺术家，也有自己的创作团队，“他在重庆与我们北京的团队对接，远程操作，修改文件，由于都是数字化设置，本身就是一一对应好的，所以都可以用语言叙述来沟通。”通过这样的创作方式，雕塑艺术IP便脱离了传统的呈现方式，拥有更多可能性。
亚龙 跳房子 2020 不锈钢丙烯 60×60cm
随着技术进步和潮流艺术的发展，也有不少人开始跨界尝试，对于郝朗来说，“我身边做设计，做插画的朋友，都不是传统绘画、雕塑专业出身，都在从事这方面的跨界尝试，甚至都是从事数码绘画，3d雕塑也是一个趋势，重要的是有好的想法和观念。”王亚龙认为，“跨界做潮流艺术，如果和之前尝试的方向有一些关联和衍化过渡的话，是完全没有问题的，毕竟找到了一条更适合的接受度更高的表现方式。”
发展艺术潮流IP，不可避免会与商业市场产生关联，艺术机构在其中发挥的作用不可忽视。对于画廊来说，这种新兴的创作方式是否还有更多的可能性?
HI艺术中心负责人伍劲提出了一些设想：“画廊授权商业公司去做商业化的应用，与商业公司做IP的组合。艺术家的作品也可以拿去各种场合做展示，一旦形象完整了，就可以把它复制，北京、上海、杭州，全国各地到处转。”商业公司很有经验，但唯一的不足是没有没有原创IP，画廊与商业公司的互补协作，无疑提供了更广阔的艺术IP扩展空间。数据化雕塑为艺术行业带来的是什么?
在伍劲看来，带来的是整个艺术行业伴随技术的改变。就像NFT的出现，让交易方式都改变了。“事实上，这种数字作品已经存在了，任何数码作品的制作过程中全都带有数字文件，这本身就是数字作品。数字作品没有材料，它是由数据和这些点构成的透明体，工厂后期加工时才考虑材料，想设立什么材料，想达到什么观感，都可以根据人的想法实现。”伍劲认为未来还有很多可能性。
Hi艺术hiart space 798空间陈列的雕塑
数字艺术家张周捷是设计师里最早用数字创作的，在伦敦上学的他用数字软件制作了100把数字座椅，依靠一整套严密的计算机算法、程序、逻辑，设定一些关键的维度，设定变化的方式，“啪”按下一个键，设定好的程序就像万花筒一样，变出不同样式的椅子。不仅如此，椅子本身带有感应器，自动感应身体所需的支撑点，看上去是一个冷冰冰的东西，实际上则是完全根据人体设计的数字座椅。
但这是发生在10年前的事，当时的技术还不足以将这套程序变为看得见、摸得着的椅子，之后张周捷自学了软件技术，组建自己的创作团队，2018年，他带着100把“椅子”在上海展出。十年间，艺术家将初步的构想通过数字软件真正实现出来，下一个十年，也许数字模型真的作为艺术作品出现在艺术市场上，或者还有更多我们想不到的可能性。
